Hoy venimos a celebrar IWA, un lugar donde Montoya crea una electrónica de nivel superior al servicio de su tierra, de los cantos y paisajes, de la tradición del esperanzador nuevo mundo.

Una colección de temas donde el patrón rítmico podría ser conducido por una antigua tribu a la cual se le unió un occidental que recién se compró una caja de ritmos (y no para de agitar a los músicos de ritual con su nueva ilusión adolescente). Una colección donde instrumentos orquestales, arpegios cósmicos y grabaciones de campo de evocaciones selváticas confirman la identidad artística del violinista y compositor Jhon William Castaño Montoya, ahora minimalizado en Montoya.

Lo hace además bajo el alero del cuidado sello italiano White Forest Records en un estado de conciencia que, como ellos mismos vocean, es “un gesto no técnico, sino místico”.

Un disco que grita lo mismo que los piratas de este barco: por un desarrollo sin fronteras.

#TropicalRitual

Cualquier persona que haya dedicado sucesivos años a escuchar todo tipo de música se habrá dado cuenta que la etiqueta R&B (Rhythm & Blues) es utilizada para definir a una gran cantidad de artistas. Lo curioso es que, a diferencia del grueso de géneros y subgéneros musicales, estos músicos suelen tener escasa o nula relación entre sí. Originalmente, el Rhythm & Blues surge en los 40 como un populista encuentro entre lo más acelerado del Blues, lo más swinguistico del Jazz y lo más intenso del Góspel, dando con una música festiva que fue la primera que permitió a músicos afroamericanos venidos desde abajo el ganar un reconocimiento a escala nacional e internacional. Quizá en este germen se halle el motivo de su posterior deformación, pues pronto el género se vería aún más acelerado, dando lugar al Rock & Roll.

Louis Jordan, definidor del concepto clásico de R&B.

Es tras el impacto del R&R cuando la etiqueta R&B delira. Muestra de esto es que The Who era considerado originalmente como un grupo de R&B (no le faltaban motivos a la crítica de la época, pues su primer LP “My Generation” contaba con dos versiones de James Brown), a pesar de la ausencia de relación. Muchos otros grupos de la llamada Invasión Británica coquetearon con el género, pero siguiendo la clásica fórmula blanca de más ruido y más velocidad. A consecuencia de esto se llegaría al Hard-Rock y al Heavy-Metal años después.

Los negros se desentendieron de la etiqueta en los 60 y principios de los 70, pues las etiquetas “soul” y “funk” traen nuevos vientos de innovación. En las baladas lentas de Isaac Hayes y Barry White, sudadas del disco-funk, se empiezan a intuir ramalazos de lo que hoy se asocia con esas siglas. Fue nada más y nada menos que Smokey Robinson, quien ya había nutrido de ternura al mundo durante su estancia en The Miracles, el que abría la veda con el tema “Quiet Storm”, del LP del mismo título publicado en 1975.

Los 80 ya fue la refundación definitiva del género, con Michael Jackson, Prince o Luther Vandross a la cabeza. La tecnología de los sintetizadores como el Roland TR-808 aportó la frescura sonora y el vacileo del recién nacido rap dio lugar a extraños inventos como el New Jack Swing que, ya en los 90, fue tapadera para el nacimiento de “boys bands” como New Kids On The Block, Backstreet Boys o NSYNC. Es aquí cuando es asumido totalmente por los blancos y las siglas R&B son pegadas a la etiqueta “pop” y separadas totalmente de su raíz hasta nuestros días.

La gran pregunta aquí es: ¿Por qué seguir llamando a un género por un nombre que claramente no se le corresponde?, ¿Por qué enterrar su significado original en pos de usado cuando simplemente se intenta describir al pop lento industrial?, ¿Por qué nuestros queridos negros son incapaces de petarlo en más de un género a la vez, década tras década? A pesar de la disertación, sigue siendo complicado entender los giros y quiebros de historia de la música, más si se ve desde una óptica industrial. Al fin y al cabo, una música llamada “ritmo y tristeza” parece prometer todo lo que uno puede esperar de una canción. Quizá estas siglas solo hayan sido un reclamo comercial para poder darse a conocer y luego obviar las propias raíces. ¿Qué no? Pensad en esto: James Brown tuvo su primera gloria comercial con el Rhythm & Blues para al poco abandonarlo a favor de apadrinar el Soul, parir el Funk y jugar con su nieto, el Hip-Hop. Justin Bieber también ha empezado así, y tiende a relacionarse cada vez más con gente respetable de la música negra como Kanye West o Raekwon. ¿Sabéis qué es lo más aterrador de todo esto? Ambos tienen las mismas siglas.

Tras un tiempo, sorprende el como en casi todos los ejemplos la educación de nuestro país obvia a nuestros vecinos del Sur mientras ellos siguen hambrientos de la cultura que generamos en la historia. Una pena. Así le va a España.

Una maravillosa sorpresa podría ser Spinetta, historia de la música independiente argentina. Osamos en etiquetarlo como sorpresa, muchos nos pueden llamar ingenuos, novatos o whatever. Hail Hatters.

Como ya se decía, cuesta volver a encontrar música que emocione. Tanto que hay veces que solo queda el mirar atrás.

Ya se escribió lo suficiente, más incluso desde el desplome que supuso su muerte, del tipín. Su cadencia casi cardíaca, discursos increíbles en ese tono tan 70’s del Río De La Plata (tantos discos buenos!) o estructuras desarraigadas de los cánones nos hacen flotar entre un mar, tristemente, desconocido.

Esto suena a denuncia. Denuncia aunque con fe en algo mejor por llegar.

Artaud @ Discogs